Japoński tradycyjny strój i ozdoby

Japonia, archipelag składający się z czterech głównych wysp położonych u wschodniego wybrzeża kontynentu azjatyckiego, był stosunkowo spóźniony, zarówno pod względem przyjmowania z zewnątrz, jak i pielęgnowania w domu bogatej i wyrafinowanej kultury materialnej. Podczas gdy w Chinach istnieje wiele dowodów archeologicznych na zachowane szaty, rzeźby ceramiczne i malowidła nagrobne, dające wiarygodny obraz historii chińskich kostiumów na kilka stuleci przed nadejściem naszej ery, weryfikowalna historia japońskich strojów zaczyna się dopiero w VIII wieku CE

Spekulacyjna wczesna historia Japonii

Poza rdzennymi ludami Japonię zamieszkiwały kolejne fale imigrantów z Chin, Korei,

• Moda japońska
• Azja Wschodnia: Historia Ubioru
• Tradycyjny strój

Azja Południowo-Wschodnia, Azja Środkowa i Północna oraz prawdopodobnie Polinezja. Z wewnętrznej kory drzew i roślin wytworzono rodzime włókna tekstylne, a tkanie odbywało się na krośnie plecionkowym. Technologia tekstylna stale się rozwijała w wyniku imigracji, a produkcja jedwabiu została prawdopodobnie ustanowiona w trzecim wieku. Jedwab pozostaje włóknem wybieranym w tradycyjnych japońskich strojach.

Zapisy archeologiczne w Japonii nie dostarczają zbyt wiele ludzkich wyobrażeń aż do V wieku naszej ery. Wcześniejsze przedstawienia postaci z patyków znalezionych na odłamkach ceramiki i dzwonach z brązu pozwalają na hipotezę, że długa szata przypominająca tunikę, przepasana w talii, mogła być powszechną formą ubierania się.

W piątym i szóstym wieku duże ilości Haniwa , terakotowe rzeźby nagrobne, zostały wykonane dla ważnych pochówków. Męskie postacie są często przedstawiane w obcisłych, obcisłych kurtkach z długim stanem, rozkloszowanych po bokach, z długimi rurowymi rękawami i workowatych spodniach zawiązanych krawatami tuż nad kolanami. Taki ubiór przypomina praktyczny ubiór jeździeckich, koczowniczych ludów stepowych z kontynentu azjatyckiego. Jeźdźcy wymagali pełnej mobilności rąk i nóg, by kierować wierzchowcami, oraz ciasno dopasowanej odzieży, która zapewniała ciepło na zimnych, wietrznych północnych szerokościach geograficznych. Luźne, sięgające podłogi chińskie szaty z szerokimi rękawami, inny dominujący elitarny sposób ubierania się na kontynencie, były antytezą tego rodzaju nomadów.

Typowa kobieta Haniwa postacie noszą górną część garderoby przypominającą męską marynarkę i spódnicę, a nie spodnie. Ważne jest, aby to zauważyć Haniwa marynarki zwykle zapina się w kolejności, w której prawy przedni panel jest umieszczany na lewym panelu, po czym krawaty są mocowane po prawej stronie kurtki. Chińczycy uznali to za barbarzyńskie praktyki, których szaty były zapinane lewą stroną na prawą. Japoński strój miał naśladować chiński styl w ten i wkrótce potem w inny sposób.

Wątpliwe, że Haniwa strój był szeroko rozpowszechniony w Japonii w piątym i szóstym wieku. Taka suknia nie byłaby odpowiednia na długie miesiące ciepłej i wilgotnej pogody w Japonii, a życie na koniu byłoby mało prawdopodobne w górzystej Japonii. Sądząc po dużej liczbie zachowanych Haniwa konie, elita jeździecka mogła zadomowić się w Japonii w tym okresie, być może po najeździe z kontynentu azjatyckiego, ale ich sposób ubierania się nie miał dominować.

Okresy Asuka i Nara

Rok 552 jest uważany za oficjalną datę wprowadzenia buddyzmu w Japonii i oznaczał pierwszy rok okresu Asuka (552-710). Buddyzm miał swoje początki ponad tysiąc lat wcześniej w Indiach, rozprzestrzenił się na Chiny na początku naszej ery i ostatecznie dotarł do Japonii przez Koreę. Jednym z ważnych osiągnięć kulturowych, które pojawiły się wraz z buddyzmem, była umiejętność czytania i pisania. Japończycy posługiwali się chińskim systemem pisma opartym na ideogramach.

Rodzima religia Japonii, szintoizm, współistniała z buddyzmem, zgodnie z ciągłym motywem japońskiej historii zapożyczania z zewnątrz przy jednoczesnym zachowywaniu najbardziej cenionych rodzimych tradycji i ostatecznie przekształcaniu obcych sposobów w coś wyjątkowo japońskiego.

Historia stroju buddyjskiego w Japonii, ucieleśnionego w głównym rytualnym stroju religii, patchworkowym płaszczu ( kesa ) ilustruje temat importu i adaptacji. Kesa należą do najstarszych zachowanych ubrań w Japonii. Jako fizyczna manifestacja nauk buddyjskich, przykłady zostały przywiezione z kontynentu azjatyckiego, aby pomóc w zaszczepieniu religii na ziemi japońskiej. W późniejszych czasach pewne kesa przetestowali granice parametrów odzieży w wyjątkowo japoński sposób.

Inna wczesna grupa kostiumów w Japonii była używana podczas przedstawień i ceremonii upamiętniających ogromnego Buddę z brązu ukończonego w 752 r. w połowie okresu Nara (710-794). Do Nary, ówczesnej stolicy Japonii, przybyli dygnitarze z różnych krajów azjatyckich. Te kostiumy, wraz z większością wczesnych kesa , zachowały się w słynnym magazynie świątynnym znanym jako Shôsôin.

Odzież sportowa Shôsôin jest w większości zapinana na lewą stronę i obejmuje zarówno kamizelki bez rękawów do kolan, jak i szaty z długimi rękawami. Kołnierze są albo wąskie i okrągłe, albo z dekoltem w szpic, z przednimi panelami, które przylegają lub zachodzą na siebie. Zarówno figuralne, jak i geometryczne dekoracje, zarówno tkane, jak i barwione, są częścią bogatej spuścizny tej różnorodnej grupy jedwabnych szat. W zestawie znajdują się również spodnie i akcesoria, takie jak legginsy, skarpety, buty i fartuchy.

Inne stroje w Shôsôin obejmują szaty noszone przez rzemieślników, podobne w kroju do szat o pełnej długości z okrągłymi kołnierzami wspomnianymi powyżej, ale z konopi, a nie z jedwabiu; szaty z szerokimi rozkloszowanymi rękawami; a nawet archaiczny, zamykający się na prawo Haniwa kostiumy w stylu.

Stroje Shôsôin najprawdopodobniej reprezentują różne rodzaje strojów azjatyckich, które były wówczas w użyciu, a wiele z nich mogło być uszytych poza Japonią. W późniejszych japońskich tradycyjnych strojach kilka z tych wczesnych sposobów ubierania się miało znaleźć odzwierciedlenie w kostiumach teatru No.

Według dokumentów z epoki, strój na dworze cesarskim Japonii był podobny do stroju chińskiego w tamtych czasach, z rangą oznaczoną kolorem. Współczesne przedstawienia obrazowe przedstawiają zarówno mężczyzn, jak i kobiety dworzan w długich, powiewnych szatach z obszernymi rękawami, wystarczająco długimi, aby zakryć dłonie. Charakterystyczną cechą męskiego stroju był dopasowany, wąski, okrągły kołnierz, podczas gdy kobiecy strój miał szerokie przednie panele, które zachodziły na siebie w kolejności od lewej do prawej. Damski strój dworski zawierał również jedną lub więcej podszalówek, które zamykały się w ten sam sposób.

Okres Heian

Kioto stało się nową stolicą cesarstwa pod koniec VIII wieku, wyznaczając początek długiej i stosunkowo spokojnej ery Heian (794-1185). Po poprzednich okresach intensywnej absorpcji kulturowej Japonii z kontynentu azjatyckiego nastąpił wewnętrzny rozwój i udoskonalenie obcych dróg w połączeniu z rdzenną wrażliwością.

Historia kostiumów z tego okresu nie może opierać się na szatach zachowanych, gdyż zachowało się bardzo niewiele przykładów. Wiedza na temat stroju Heian pochodzi w dużej mierze z przedstawień obrazowych, zapisów garderoby i dwóch najwcześniejszych powieści w literaturze światowej – Opowieść o Genjiu , autorstwa Lady Murasaki Shikibu, oraz Książka na poduszki przez Sei Shônagona.

Powieści opisują wyspiarski świat cesarskiego dworu i jego codzienne życie pełne intryg, poezji, dowcipu, romansu i niezwykle wyrafinowanego sposobu ubierania się. Kobiety nosiły warstwy jedwabnych szat, z odsłoniętymi krawędziami poszczególnych szat na końcach rękawów, kołnierzu i rąbku oraz najbardziej zewnętrznej szaty, która nadawała ogólny ton schematowi kolorystycznemu. Kobiecy gust i wrażliwość przejawiały się w doborze zestawień kolorystycznych w doborze szat do zespołu w zależności od pory roku, okazji czy panującego nastroju. Dalsze artykuły odzieżowe, takie jak marynarka, spodnie typu spódnica ( hakama ), a fartuszek noszony z tyłu dopełniał damski strój dworski.

Szata, prawdopodobnie noszona najbliżej ciała w tym zespole, uważana jest za prekursora okresu Edo (1603-1868) Kosode pod względem konstrukcji i kształtu. Ta najgłębsza część garderoby miała ogólny kształt litery T, składający się z kwadratowych lub prostokątnych rękawów z wąskimi otworami na dłonie. Te rękawy przymocowane do długich, prostych kawałków materiału tworzącego korpus szaty. Do wewnętrznych krawędzi paneli tułowia z przodu ubioru przyszyto stosunkowo szeroki, płaski kołnierz i klapy. Ten element garderoby nawiązuje do współczesnego kimona.

Męski strój z okresu Heian zachowywał wąski, okrągły kołnierz przypominający tunikę, odzwierciedlający wcześniejszy okres wpływów z kontynentu azjatyckiego, a mężczyźni nosili również spodnie przypominające spódnicę i podszewkę lub dwie. Kształt rękawów odbiegał od poprzednich modeli kontynentalnych, ponieważ dominował kwadratowy lub prostokątny kształt, a pojedynczy rękaw mógł być tak szeroki, jak cała część ubrania. Przy noszeniu takiej szaty doły rękawów, które były odszyte na końcach, mogły praktycznie zamiatać ziemię.

Uważa się, że w tym okresie po raz pierwszy pojawiły się herby rodzinne. Niektóre rodzaje kostiumów Heian przetrwały do ​​dnia dzisiejszego, co widać w strojach dworskich cesarskich, strojach religijnych i kostiumach teatru No.

Okres Kamakury

W drugiej połowie XII wieku podstawa władzy w Japonii przesunęła się z coraz bardziej dekadenckiego, zaabsorbowanego sobą dworu cesarskiego w Kioto do prowincjonalnych klanów wojskowych, które wybrały miasto Kamakura na swoją siedzibę. Istnieje niewiele zachowanych szat z epoki Kamakura (1185-1333), a literatura z tego okresu nie jest zbyt bogata na temat kostiumów. Jednak dobrze szczegółowe zachowane obrazy dają wyobrażenie o ubiorze w tamtym czasie.

Odzież damska była mniej obciążona przesadną wielowarstwowością, a na niektórych kobiecych szatach zewnętrznych pojawiają się barwione na dużą skalę wzory. Wzory barwione we wzory miały stać się jednym z najważniejszych wyrazów twórczych w późniejszych japońskich strojach. Ekspresja oryginalności w odzieży męskiej zaczęła się również przejawiać poprzez stosowanie przeskalowanych motywów i łączenie ze sobą elementów z dwóch zupełnie odmiennych szat w celu stworzenia zaskakującego nowego stroju. Sekty buddyjskie (takie jak Zen), wcześniej nieznane w Japonii, zostały sprowadzone z kontynentu azjatyckiego, co zaowocowało importem kesa wykonane z pewnych luksusowych rodzajów tekstyliów niedostępnych dla Japończyków. Wcześniej kesa były na ogół bardziej skromne z wyglądu.

Okresy Nambokuchô, Muromachi i Momoyama

Cesarskie miasto Kioto ponownie stało się stolicą wraz z nadejściem ery Nambokuchô (1333-1392), okresu naznaczonego starciami między rywalizującymi klanami wojskowymi. Wojny trwały w kolejnym okresie Muromachi (1392-1568). Od nadejścia ery Kamakura rodzina cesarska rządziła tylko z nazwy; szogun, jako najwyższa potęga militarna, dzierżył prawdziwą władzę.

W sprawach kulturalnych dwór cesarski przestał być w awangardzie. Elitarni członkowie klasy wojskowej i wysocy rangą mnisi buddyjscy byli wiodącymi praktykującymi nowo powstałą i niezwykle estetyczną ceremonię parzenia herbaty. Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408) był pierwszym ważnym patronem teatru No.

Kostiumy teatru No nadal istniały w wielu różnych typach na początku XXI wieku. W pierwszych wiekach całkowicie męskiej formy teatralnej aktorzy nosili stroje ofiarowane z szaf ich elitarnych mecenasów. W okresie Edo (1603-1868) żadne kostiumy nie były tworzone specjalnie do użytku na scenie; jednak w większości style kostiumów nie zmieniły się i nadal odzwierciedlały ubiór z wcześniejszych okresów.

W szerokiej kategorii bez szat zwanych ôsode , termin odnoszący się do wysokich i szerokich rękawów, które nie są zaszyte na końcach, to niektóre rodzaje szat dawno przestarzałych w Japonii, z wyjątkiem najbardziej konserwatywnych i tradycyjnych sfer japońskiego życia, takich jak cesarskie rytuały dworskie i rytuały Shinto.

Często posługując się złotymi nićmi w postaci płaskich, złoconych wąskich pasków papieru, wraz z nićmi jedwabnymi, ôsode kostiumy zawsze mają tkane wzory. Te projekty mogą być dość odważne w skali i kompozycji, choć ich kolorystyka jest bardziej powściągliwa, zwykle ogranicza się do jednego koloru jedwabiu. Teatr No zachowuje również spodnie przypominające spódnicę ( hakama ) z czasów wcześniejszych oraz warstwowe noszenie strojów, z ôsode szata zwykle noszona jako szata zewnętrzna.

Druga główna kategoria kostiumów bez kostiumów obejmuje szaty z rękawami krótszymi na wysokości i szerokości w stosunku do ôsode rękawy. Rękawy są również zaokrąglone na ich najniższych zewnętrznych krawędziach, a nie pod kątem prostym, jak w ôsode . Końce rękawów są wszyte, co pozwala na przejście dłoni. Nazwa tej ogólnej kategorii kostiumów bez kostiumów to Kosode . Ten sam termin był używany dla zwykłego jedwabnej szaty noszonej przy skórze i pod warstwami obszernej odzieży w okresie Heian.

W okresie Muromachi Kosode dosłownie pojawiły się jako dopuszczalna odzież wierzchnia. To, co wcześniej było intymne, było teraz dozwolone poza domowymi wnętrzami. Ta forma ubioru stała się głównym środkiem wyrazu zmieniających się mód i stylów.

W okresie Edo większość Kosode - kostiumy kategorii nadal zachowały style z okresu Muromachi i Momoyama. Archaiczne style, które przetrwały, obejmowały użycie ciężkiej, ozdobnej tkaniny brokatowej, rozległe złocenia, splatanie dwóch zupełnie różnych rodzajów tkanin w jedną szatę oraz kompozycję z pustym środkiem, która skupia motywy projektowe na ramionach i rąbku szaty . Takie kostiumy zmieniły jednak swój ogólny kształt rękawów z podłużnego na kwadratowy w odpowiedzi na trend z epoki Edo, a niektóre szaty No z haftowanymi wzorami były czasami pod wpływem współczesnych stylów mody.

Zachowane żadne kostiumy nie pochodzą już z drugiej połowy okresu Muromachi. Na początku XXI wieku nie produkowano jeszcze szat, a niektórzy współcześni producenci wykorzystywali tradycyjne techniki ręcznego tkania i naturalnego barwienia.

W celu zapewnienia komicznej ulgi od tragedii i melancholii Nie, Kyôgen sztuki były tradycyjnie wystawiane wraz z Bez sztuk. Kostiumy dla Kyôgen odzwierciedlają strój niższej klasy i są wykonane z włókien łykowych (zwykle konopi lub ramii), a nie z jedwabiu, nie używają złotych nici ani złoceń i są wzorowane za pomocą farbowania - w przeciwieństwie do szat No z ich tkanymi, haftowanymi lub złoconymi wzorami. Pozostały Kyôgen kostiumy nie poprzedzają okresu Edo.

W latach czterdziestych XVI wieku, kiedy pierwsi Europejczycy dotarli do Japonii, kraj był w trakcie przedłużającej się wojny domowej. To połączenie burzliwych czasów i nowej fali obcych wpływów doprowadziło do powstania zadziwiających przykładów ubioru klasy samurajów. Krawiectwo w stylu zachodnim i nowo importowane egzotyczne tkaniny z europejskiego sukna wełnianego, indyjskiego perkalu bawełnianego, a nawet perskiego jedwabnego gobelinu można zobaczyć w kilku zachowanych Jimbaori (rodzaj kamizelki noszonej na zbroi).

Dalsza kreatywność w męskim stroju jest widoczna w niektórych krótkich Kosode odzież profilowana ( do fuku ) związany z czołowymi postaciami wojskowymi XVI wieku. Szaty te charakteryzują się niekonwencjonalnymi motywami i zaskakującymi zestawieniami kolorystycznymi.

Okres Edo

Trzech kolejnych dowódców wojskowych miało wyłonić się jako zjednoczeni rozdartej wojną Japonii. Trwały pokój został ostatecznie ustanowiony przez ostatniego z trójki, Ieyasu Tokugawę. Nowa stolica została założona w Edo (później znanym jako Tokio), a wszystkich kolejnych szogunów dostarczył klan Tokugawa rządzący z Edo, podczas gdy dwór cesarski pozostał w Kioto. Japonia wkroczyła w okres izolacji, podczas którego nowa religia chrześcijaństwa została stłumiona, podróże do iz Japonii zostały zakazane, a handel zagraniczny znalazł się pod ścisłą kontrolą.

Konserwatywny strój stał się normą dla klasy samurajów. Męski strój wizytowy składał się z krótkiej kamizelki z ramionami przypominającymi skrzydła oraz tradycyjnego hakama , z obydwoma ubraniami wykonanymi z włókien łykowych wzorzystych z drobnymi, powtarzającymi się motywami i niezmiennie farbowanymi na niebiesko. Samurajowie nie mieli już więcej wojen, chociaż zbroja i związana z nią kamizelka nadal były robione. Chociaż wciąż produkowano kreatywne przykłady kamizelek, samurajów nie zachęcano do ubierania się jak dandys.

Największa kreatywność w ubiorze w okresie Edo przejawiała się w Kosode . Duża część bodźca do przekształcenia tego stroju w taką modną formę ubioru pochodziła od nowo bogatej klasy kupieckiej, która jednak znajdowała się na dole hierarchii społecznej.

Podczas gdy teatr No był domeną wyższych sfer, teatr Kabuki był sztuką performatywną dla nowobogackich kupców. Większość kostiumów Kabuki ma standardowy kształt T kosode; jednak ich ubarwienie ma tendencję do jaskrawości, a ich motywy projektowe mogą być przytłaczające w skali. Na przykład gigantyczny homar może zakryć cały tył szaty.

Czołowi aktorzy Kabuki (również całkowicie męska forma teatralna) stali się szalenie popularni, a ich twarze i suknie zostały rozsiane w niezliczonych drzeworytach. Jednak ich kostiumy były zbyt dziwaczne, aby wpływać na modę inaczej niż poprzez popularyzację określonego odcienia koloru lub określonego motywu. Stroje kabuki z początku XX wieku nadal przypominały te z okresu Edo.

Duchowni buddyjscy zajmowali wysokie miejsce w skali społecznej i otrzymali uprawnienia administracyjne oraz oficjalne wsparcie pod rządami Tokugawy, co umożliwiło im udział w ogólnym dobrobycie. Najbardziej niezwykła tendencja obserwowana w kesa Patchworkowa szata była malarskim impulsem, który zaowocował tkaniem, haftowaniem lub malowaniem przykładów z takimi narracyjnymi wyobrażeniami, jak ptaki i zwierzęta w krajobrazie, zgromadzenia bóstw, a nawet kompozycje kwiatowe. Dwie z metod zastosowanych w celu zaspokojenia symbolicznego przywiązania do tradycji patchworkowej obejmowały szycie kordu lub rysowanie linii na odzieży w celu stworzenia wrażenia kawałkowej konstrukcji. Jako kesa jest płaską, szeroką, zorientowaną poziomo odzieżą, zwykle w kształcie prostokąta, inspiracją dla tego nowego stylu projektowania powierzchni były prawdopodobnie szerokie, malowane ekrany szeroko stosowane w okresie Edo.

kesa Odzwierciedlało to również modny gust w bardziej pośredni sposób, jako wynik zwyczaju świeckich buddystów, aby ofiarować cenną odzież do świątyń. Szaty były rozszywane, cięte i przerabiane na szaty buddyjskie. Inny kesa były składane z bogatych brokatów, które były tkane w kraju, ponieważ japoński przemysł tekstylny w tym czasie wchłonął zagraniczne umiejętności i technologię niezbędną do tkania luksusowych tekstyliów.

Ekstrawaganckie tendencje w kesa doprowadził co najmniej jedną sektę buddyjską do wykonania surowej, monochromatycznej, pozbawionej wzorów szaty z włókna łykowego. Chociaż nie było nowych innowacyjnych stylów, kesa - we wczesnych latach 2000-odzwierciedlały całą różnorodność obserwowaną w przykładach z okresu Edo. Jednak kilku artystów tekstyliów z początku XXI wieku na Zachodzie stworzyło prace twórcze inspirowane tradycyjną formą Keśa.

Okres Meiji

Japonia została zmuszona do zakończenia swojej izolacji w latach 50. XIX wieku, kiedy mocarstwa zachodnie z zaawansowaną technologią wojskową zażądały koncesji handlowych. Siogunat Tokugawa upadł, a władza przeszła w ręce rodziny cesarskiej, która w 1868 roku przeniosła dwór do Tokio i ogłosiła nową erę, Meiji (1868-1912). Po raz kolejny Japończycy zdali sobie sprawę z konieczności dotrzymania kroku bardziej rozwiniętym narodom i rozpoczęli politykę szybkiej westernizacji.

Przyjęto zachodnie stroje, a cesarz i cesarzowa pomagali dawać przykład reszcie kraju, od czasu do czasu nosząc zachodnie ubrania. Buddyści i elitarne rodziny samurajów sprzedały ilości quantities kesa oraz Brak kostiumów, co ostatecznie wzbogaciło kolekcje muzealne i prywatne w Japonii i na Zachodzie. Dla bardziej wyrafinowanej ludności miejskiej, a zwłaszcza mężczyzn, tradycyjny japoński strój przestał być częścią codziennego stroju, aż w końcu używanie tradycyjnego stroju zostało zdegradowane do buddyjskich świątyń i klasztorów; kapliczki szintoistyczne; Nie, Kyôgen i teatr Kabuki; ceremonia parzenia herbaty i inne tradycyjne sztuki, takie jak układanie kwiatów; i dwór cesarski. Gejsza, będąca nadal instytucją w Japonii na początku XXI wieku, nadal miała bawić się w kimonie.

Na początku XXI wieku rytuały przejścia, takie jak ceremonie dochodzenia do wieku przez dzieci, ukończenie szkoły i śluby, były okazją do noszenia tradycyjnych strojów przez ogół społeczeństwa. Japońska rodzina również może założyć kimono, biorąc udział w specjalnych festiwalach krajowych i regionalnych lub relaksując się po kąpieli w tradycyjnej karczmie. Często zdarzało się, że japońska gospodyni domowa uczęszczała do szkoły kimono, aby lepiej zrozumieć, jak wybrać i właściwie nosić kimono i jego najważniejsze akcesorium, czyli obi.

W okresie Meiji ukuto terminy w celu odróżnienia starego japońskiego sposobu ubierania się ( wafuku ) z nowo przyjętego stroju zachodniego ( Yofuku ). Kimono (pochodzące od czasownika oznaczającego noszenie ubrań i słowa oznaczającego rzecz) stało się nowym terminem na ubiór w kształcie litery T, dawniej znany jako Kosode . Słowo to weszło do słowników języków na całym świecie i powszechnie służy jako oznaczenie narodowego stroju Japonii, podobnie jak sari jest powszechnie uznawane za ponadczasowy strój indyjski.

We wczesnym okresie Taishō (1912-1926) i późnym Taishō (1926-1989) mingei Ruch został założony przez artystów i intelektualistów w celu zachowania i utrwalenia rzemiosła ludowego Japonii, zwłaszcza praktykowanego przez rolników i mniejszości etniczne. Ci, którzy opowiadali się za ideą mingei mogą być uważani za wschodnioazjatyckich spadkobierców ruchu Arts and Crafts, chociaż nie musieli podkreślać znaczenia rękodzieła, jak to robili ich zachodni poprzednicy, ponieważ w tradycyjnej Japonii rozróżnienie między sztukami pięknymi i dekoracyjnymi nie było wyraźne. Jednak wznoszenie rękodzieł wykonanych przez prostych ludzi ze wsi i mniejszości z marginesu japońskiego społeczeństwa nie pasowało do konwencjonalnych wyobrażeń o hierarchii społecznej w Japonii.

Przykłady kostiumów zebranych i zbadanych przez mingei entuzjastów to m.in. szaty z włókien łykowych i bawełny rdzennego plemienia Ajnów, specjalnie ufarbowane stroje z Okinawy, mocno przeszywane kurtki rolników oraz stroje rybaków i strażaków.

Zobacz też Kimono ; Moda japońska.

Bibliografia

Bethe, Monica i Iwao Nagasaki. Patterns and Poetry: No Robes z kolekcji Lucy Truman Aldrich w Muzeum Sztuki, Rhode Island School of Design . Providence: Rhode Island School of Design, 1992.

Bethe, Monica i Sharon Sadako Takeda. Cuda i psoty: Teatr Noh i Kyôgen w Japonii . Los Angeles: Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles, 2002.

Dalby, Liza Crihfield. Kimono: kształtowanie kultury . New Haven, Connecticut: Yale University Press, 1993.

Dusenbury, Mary. Tekstylia. W Kodansha Encyklopedia Japonii Vol. 8. Tokio: Kodansha International, 1983, 16-20.

Kennedy'ego, Alana. Japoński kostium: historia i tradycja . Paryż: Edycje Adam Biro, 1990.

Kirihata, Ken. Noh kostiumy Kioto: Kioto Shoin, 1993.

Liddell, Jill. Historia kimona . Nowy Jork: EP Dutton, 1989.

Matsumoto Kaneo, wyd. Skarby Shôsôin: instrumenty muzyczne, artykuły taneczne, zestawy gier Kioto: Shikosha, 1991.

Minnich, Helen Benton. Japoński kostium i twórcy jego eleganckiej tradycji . Tokio: Charles E. Tuttle, 1963.

Noma Seiroku. Japońska sztuka kostiumowa i tekstylna . Nowy Jork i Tokio: Weatherhill/Heibonsha, 1974.

Yamanobe Tomoyukiego. Tekstylia . Rutland, Vt. i Tokio: Charles E. Tuttle, 1957.