KOSTIUM TEATRALNY

Zachodnia tradycja teatralna ma swoje korzenie w greckich uroczystościach, które odprawiano w VI wieku p.n.e. na cześć Dionizosa, boga wina i hulanek. Imprezy (tańce, pieśni i odpowiedzi chóralne) przekształciły się w dramaty mówione w 535 r. p.n.e., kiedy dramaturg Thespis przedstawił aktora, który miał odpowiedzieć liderowi chóru. Rezultatem był dialog.

Innemu dramaturgowi, Ajschylosowi (525-456 p.n.e.), przypisuje się ustalenie tego, co stało się tradycyjnym strojem greckiej tragedii. Składał się z długiej, wzorzystej tuniki z rękawami, stylizowanej maski do natychmiastowego rozpoznawania postaci i pary butów na wysokiej podeszwie zwanych corthunae. Wszystkie te ubrania były przeznaczone wyłącznie do użytku teatralnego. Nie można grać bohatera w codziennym stroju.

Aktorzy w greckich komediach również nosili maski, aby wskazać, jakie postacie grają. Dodatkowo często dodawali przesadne części ciała, wyściełane pośladki lub brzuchy i za duże fallusy, aby spotęgować komiczny efekt. Krótkie tuniki, podobne do tych noszonych przez zwykłych obywateli, uważano za odpowiednie dla komedii.

Chociaż Rzymianie dodali własne zwroty akcji, konwencje kostiumowe ustanowione przez Greków zasadniczo pozostały takie same aż do upadku Cesarstwa Rzymskiego, kiedy zachodni teatr praktycznie zniknął na osiemset lat.

Średniowiecze i renesans

Kiedy teatr powrócił, zrobił to, jak na ironię, w kontekście kościoła. Kościół chrześcijański był zaprzysięgłym wrogiem dramatu (postrzegając go zarówno jako nieskromny, jak i podobny do kultu diabła). Ponieważ jednak nabożeństwa odprawiano po łacinie, co rozumie coraz mniej parafian, księża musieli wymyślić sposób na dramatyzowanie liturgii.

Powiązane artykuły

Kostiumy na Broadwayu
Kostiumograf
Historia makijażu teatralnego

Od V wieku n.e. coraz częściej zarówno w kościele, jak i na jego terenie wystawiano misterium, dramatyzowanie wydarzeń z pism świętych oraz cuda przedstawiające życie świętych. Gdy stały się bardziej rozbudowane, przenieśli się na rynek.

Kostiumy noszone we wczesnych dramatach religijnych były szatami kościelnymi. W miarę jak scenariusze stawały się bardziej świeckie, często oprócz duchowieństwa angażowali się także mieszczanie, świeccy wykonawcy przejęli odpowiedzialność za wszelkie kostiumy nie będące własnością kościoła. Współczesna sztuka religijna była inspiracją dla takich postaci jak Daniel, Herod, Dziewica Maryja i różne diabły.

To właśnie w okresie renesansu elementy produkcji, zarówno scenografia, jak i kostium, stały się jeszcze ważniejsze niż tekst. W całej Europie szlachta wystawiała wystawne maski dworskie i korowody, aby zabawiać swoich gości. Kostiumy przedstawiały bogów, zwierzęta i stworzenia mitologiczne, a także takie emocje jak nadzieja i radość. Projektanci tych uroczystości to między innymi Leonardo da Vinci i Inigo Jones.

Komedia Dell'Arte

Commedia dell'arte, forma popularnej komedii ulicznej, pojawiła się we Włoszech w XVI wieku. Grupy wędrownych aktorów prezentowały w dużej mierze improwizowane sztuki w całych Włoszech i Europie.

Podobnie jak komedie greckie (z którymi commedia są uważane za powiązane), aktorzy komedii przedstawiali postacie, które można było rozpoznać po maskach i tradycyjnych strojach. Pantaloon, archetypowy zgrzybiały staruszek, często nosił szerokie spodnie, które teraz noszą jego imię. Sprytny sługa Brighella miał na sobie płaszcz w poziome zielone paski, zapowiedź dziewiętnastowiecznych brytyjskich barw. Inne postacie z komiksów to Arlecchino lub Arlequin, Il Dottore, pedantyczny naukowiec zawsze ubrany na czarno i Il Capitano, tchórzliwy Hiszpan. Poważni bohaterowie komedii, dwie pary kochanków i służąca, nosili współczesne ubrania.

Prace Williama Szekspira, Jean-Baptiste Moliere i Jean-Antoine Watteau pokazują wpływ tej ważnej popularnej formy sztuki.

Od XVI do XVIII wieku

Kostiumy do sztuk Szekspira były mieszanką różnych okresów, które publiczność przyjęła jako standardową konwencję. Większość ról była wykonywana w strojach współczesnych, będących własnością aktora (wszyscy mężczyźni) lub dostarczonych przez patronkę teatru. Czasami hełm lub napierśnik może wskazywać na żołnierza. Wróżki i nimfy mogą nosić klasyczne draperie.

Ta sama zasada dotyczy stroju w XVII i XVIII wieku. Większość aktorów, a zwłaszcza aktorek, ubierała się jak najmodniej. Turban wskazywał na wschodni charakter. Hełm z pióropuszem oznaczał żołnierza. Wykonawcy zapewnili własną garderobę, z wyjątkiem specjalistycznych przedmiotów dostarczonych przez teatr.

XIX i początek XX wieku

William Charles James Terriss jako król Henryk VIII

William Terriss jako król Henryk VIII. 1895

Lata siedemdziesiąte i siedemdziesiąte XIX wieku przyniosły dążenie do historycznej dokładności w projektowaniu kostiumów. Ponieważ podróżowanie stało się stosunkowo łatwiejsze, raporty, zarówno pisemne, jak i wizualne, zwiększyły wiedzę ludzi o innych kulturach. Wystawy międzynarodowe, takie jak Crystal Palace Exhibition w Londynie w 1851 r., przybliżyły publiczności kulturę materialną egzotycznych miejsc. Chcieli, aby to, co zobaczyli i przeczytali, znalazło odzwierciedlenie na scenie.

W niemieckim księstwie Saxe-Meiningen książę Jerzy II założył własną trupę teatralną o nazwie Meiningers. Książę wykorzystał wszelkie dostępne zasoby, aby stworzyć autentyczne kostiumy dla swoich aktorów.

Meiningowie zwiedzili cały kontynent, a styl ich spektakli wywarł duży wpływ na takie bastiony dziewiętnastowiecznego realizmu, jak Théâtre Libre w Paryżu czy Moskiewski Teatr Artystyczny w Rosji. W Stanach Zjednoczonych przedstawienia impresaria Davida Belasco odzwierciedlały jego podziw dla tego nowego, realistycznego stylu.

Nastąpił nieunikniony luz. W Rosji, by przytoczyć tylko jeden przykład, artyści konstruktywistyczni projektowali wysoce konceptualne kostiumy, których jedynym związkiem z ubiorem było to, że nosili je ludzie.

W końcu oba style zostały uznane za ważne, co doprowadziło do połączenia produkcji wiernych historycznie lub opartych na koncepcjach, które trwają nadal w XXI wieku.

Obecna praktyka

Kostiumy teatralne są zaprojektowane tak, aby wspierać scenariusz. Jeśli realizm lub historyzm mają kluczowe znaczenie dla tekstu, kostiumy będą dokładnie odzwierciedlać ubiór odpowiedni do epoki lub otoczenia. Przykłady obejmują Henrika Ibsena Mistrz budowniczy , który wymaga ubrań z początku lat 90. XIX wieku, czy Davida Storeya Przebieralnia , który wymaga mundurów i ubrań ulicznych odpowiednich dla grupy graczy rugby w północnej Anglii.

Inne skrypty wymagają bardziej wymyślnego podejścia. Szekspira Burza musi znajdować się na wyspie, ale ta wyspa może znajdować się w dowolnym miejscu na świecie. Prospero i Miranda mogą zamieszkać w dowolnym czasie uzgodnionym przez reżysera i zespół projektowy.

Wpływ kostiumu na modny strój

Podczas gdy kostium filmowy często wpływa na modne ubrania, kostium teatralny prawie nigdy. W pierwszym tygodniu po premierze film oglądają miliony ludzi w całym kraju. W przeciwieństwie do tego, przeciętny teatr na Broadwayu może pomieścić tylko osiem tysięcy osób w tym samym tygodniu.

Co więcej, między zakończeniem zdjęć a premierą filmu zwykle występuje przerwa roczna lub więcej. W tym interwale magazyny modowe i inne periodyki mogą publikować rozkładówki prezentujące kostiumy, kreując zapotrzebowanie klientów. Historycznie rzecz biorąc, studia filmowe, producenci, domy towarowe i firmy zajmujące się wzornictwem krawcowym nawiązały współpracę, aby promować zarówno film, jak i gotowe do noszenia (lub gotowe do szycia) ubrania, które zainspirował film.

Klasycznym przykładem jest sukienka Letty Lynton noszona przez Joan Crawford w filmie o tym samym tytule z 1932 roku. Ponad 500 000 kopii projektu Adriana zostało podobno sprzedanych w każdym przedziale cenowym zaraz po otwarciu filmu. W 1967 r. kostiumy Theodory von Runkle dla Bonnie i Clyde zapoczątkował trend na style odrodzenia z lat 30., które były tak popularne pod koniec lat 60. XX wieku. Wyprodukowano kostiumy Ruth Morley dla Diane Keaton Annie Hall sobowtórów w Stanach Zjednoczonych i Europie pod koniec lat 70. XX wieku.

Innym powodem, dla którego może być niewielki związek między odzieżą teatralną a odzieżą uliczną, jest skala. Kostium jest przeznaczony do oglądania z odległości trzydziestu lub czterdziestu stóp. Szczegóły są przesadzone, aby były widoczne. Film natomiast w dużej mierze dotyczy zbliżeń. Kostiumy filmowe muszą być prawdziwe w sposób, w jaki nie mogą być udane kostiumy teatralne.

Istnieje kilka wyjątków, ale są one rzadkie. Czerwony garnitur zaprojektowany przez Patricię Zipprodt do broadwayowskiej produkcji Neila Simona z 1969 roku Apartament Plaza został następnie wyprodukowany dla Bergdorf Goodman. W 2002 roku Bloom-ingdale wprowadził kolekcję odzieży w dużych rozmiarach, opartą na projektach Williama Ivey Longa dla musicalu Lakier do włosów.

Publiczność wydarzenia teatralnego jest tak mała w stosunku do liczby osób, które oglądają filmy, że wykorzystanie teatru jako źródła projektu nie ma większego sensu z ekonomicznego punktu widzenia. Współczesna odzież na scenę może odzwierciedlać modny strój, ale nie ma na to wpływu.

Specjalne wymagania

Buty do tańca potrzebują elastyczności

Przede wszystkim kostium teatralny jest przeznaczony do ruchu. Otwory na ramiona są wycięte wyżej niż w masowo produkowanych ubraniach, aby umożliwić aktorowi uniesienie ramion bez całego ubrania. Krocze są wycięte wyżej, aby umożliwić kopnięcia bez rozrywania szwu.

Kostiumy muszą być wystarczająco mocne, aby wytrzymać osiem noszenia tygodniowo przez miesiące, a nawet lata, z rzadkim czyszczeniem lub praniem. Jeśli scenariusz wymaga szybkiej zmiany, co oznacza, że wykonawca dokona całkowitej zmiany ubrania w niecałą minutę, kostium zostanie skonstruowany tak, aby ułatwić zmianę. Na przykład, aby szybko zmienić koszulę, guziki są przyszywane na dziurkach na guziki. Koszula jest zapinana na zatrzaski lub taśmę rzepową, dzięki czemu można ją dosłownie oderwać od wykonawcy.

Buty tancerzy muszą mieć wystarczająco cienką podeszwę, aby tancerka mogła się zgiąć i skierować stopę. W przypadku wykonania na zamówienie wybieranym materiałem jest skóra łosia.

Trendy i rozwój

Kostiumy teatralne w dużej mierze opierają się na naturalnych włóknach (bawełnie, lnu, jedwabiu i wełnie). Syntetyki nie układają się ani nie układają jak włókna naturalne. To powiedziawszy, jednak rozwój nowych materiałów wywarł ogromny wpływ na przemysł.

Na przykład przed późnymi latami pięćdziesiątymi rajstopy tancerek były robione z elastycznej bawełny, którą nosiły zwisy i torby, lub były dziane i miały skłonność do biegania. Wynalezienie lycry, spandexu i innych dwukierunkowo rozciągliwych tkanin wyeliminowało te problemy. Plecionego nylonowego włosia końskiego można użyć do wykonania kryz, które imitują wykrochmalone oryginały lniane, ale zachowują swój kształt podczas prania.

Żadna firma nie produkuje tekstyliów wyłącznie do kostiumów. Rynek jest zdecydowanie za mały. Klienci są jednak niezwykle kreatywni w odkrywaniu teatralnych zastosowań produktów zaprojektowanych do innych celów. Na przykład Veri-form, nazwa handlowa rodzaju termoplastycznego arkusza, to tkanina z siatki o otwartym splocie, stosowana przez chirurgów ortopedów do lekkich odlewów. Tworzy doskonałą zbroję i maski, jest nietoksyczny i łatwy w obróbce.

Plastikowa siatka używana do wentylacji czapek z daszkiem sprawia, że są niezniszczalne i niedrogie krynoliny. Klimatyzacja i inne rodzaje pianki mogą być cięte i rzeźbione, aby utworzyć podbudowę lekkich maskotek lub innych kostiumów, które są wyższe i szersze niż aktor w nich. Nasiona dla ptaków zamknięte w body doskonale symulują ruch obwisłych piersi.

Najistotniejszym osiągnięciem w tej dziedzinie w ciągu ostatnich dwudziestu lat była bez wątpienia zwiększona świadomość zagadnień BHP. Jeszcze w latach 70. zarówno projektanci, jak i twórcy kostiumów rutynowo traktowali tkaniny bardzo toksycznymi farbami, rozpuszczalnikami i klejami, nie rozumiejąc związanego z nimi ryzyka. W XXI wieku dostępne są nie tylko mniej toksyczne produkty, ale także karty charakterystyki, maski oddechowe, kabiny natryskowe i inne urządzenia ochronne.

Podczas gdy materiały wciąż ewoluują, a style projektowania kostiumów wchodzą i wychodzą z mody, zasada pozostaje niezmienna. Jak pisał w 1941 roku Robert Edmond Jones: Strój sceniczny to wytwór teatru. Jego jakość jest czysto teatralna i wyniesiona poza teatr od razu traci swoją magię. Umiera tak, jak umiera roślina po wyrwaniu (s. 91).

Zobacz też Aktorzy i aktorki, wpływ na modę; sztuka i moda ; Kostium baletowy ; Makijaż teatralny.